lunes, 30 de mayo de 2011
El Ostinato
Es una forma musical basada en la repetición constante de un fragmento musical. una palabra italiana que significa "obstinado".
Es un motivo melódico, un patrón rítmico, una progresión armónica o una línea de bajo que es repetida.
El ostinato puede ser melódico, rítmico o afectar a cualquier parámetro sonoro, y aunque en su versión más sencilla es una mera repetición, existe también la posibilidad de construir ostinatos que vayan variando ligeramente (los cambios o variaciones del original no pueden ser drásticos, porque dejaría de ser un ostinato y se escucharía como otra cosa).
En general, debe permanecer identificable.
Es un motivo melódico, un patrón rítmico, una progresión armónica o una línea de bajo que es repetida.
El ostinato puede ser melódico, rítmico o afectar a cualquier parámetro sonoro, y aunque en su versión más sencilla es una mera repetición, existe también la posibilidad de construir ostinatos que vayan variando ligeramente (los cambios o variaciones del original no pueden ser drásticos, porque dejaría de ser un ostinato y se escucharía como otra cosa).
En general, debe permanecer identificable.
miércoles, 25 de mayo de 2011
COTIDIAFANOS
Entendemos por Cotidiáfanos a los instrumentos creados a partir de elementos cotidianos de nuestro entorno mas cercano.
Ejemplos de estos instrumentos serían:
- tram-tram, realizado con cajas de quesitos.
- palo de lluvia, creado con un rollo de cocina (cartón) relleno de arroz.
- maracas, cajas rellenas de diferentes tamaños.
- claves, con lapiceros.
- guitarras, con briks y gomas.
- platillos, con chapas.
- globos rellenos de arroz.
Así como pinturas, vasos de plástico, cubiertos, zapatos, tapaderas, botellas rellenas, papel de periódico,...
Este tipo de instrumentos tiene una serie de ventajas desde nuestro punto de vista. Destacaríamos que son económicos, fáciles de hacer, fáciles de transportar, sencillos y sobretodo desarrollan en el alumno la capacidad de creatividad y de dar a un objeto cotidiano nuevas funciones. Por el contrario encontramos igualmente desventajas, que serían la necesidad de diversidad de material, no obtenemos el timbre deseado, la elaboración puede ser complicada y cada objeto es diferente.
Ejemplos de estos instrumentos serían:
- tram-tram, realizado con cajas de quesitos.
- palo de lluvia, creado con un rollo de cocina (cartón) relleno de arroz.
- maracas, cajas rellenas de diferentes tamaños.
- claves, con lapiceros.
- guitarras, con briks y gomas.
- platillos, con chapas.
- globos rellenos de arroz.
Así como pinturas, vasos de plástico, cubiertos, zapatos, tapaderas, botellas rellenas, papel de periódico,...
Este tipo de instrumentos tiene una serie de ventajas desde nuestro punto de vista. Destacaríamos que son económicos, fáciles de hacer, fáciles de transportar, sencillos y sobretodo desarrollan en el alumno la capacidad de creatividad y de dar a un objeto cotidiano nuevas funciones. Por el contrario encontramos igualmente desventajas, que serían la necesidad de diversidad de material, no obtenemos el timbre deseado, la elaboración puede ser complicada y cada objeto es diferente.
LA CANCION INFANTIL
Una mención u apartado especial se merece la Canción Infantil y la Voz como instrumento.
La canción infantil es importante porque tiene muchos componentes musicales a desarrollar por el alumno, como son: texto, ritmo, compás, acentos, melodía, expresión musical,…
Todos ellos se pueden o deben trabajarse de manera individual para ensayar o corregir cuando algo no sale bien.
Igualmente no debemos olvidar que una canción toca muchos y diversos temas, lo que le hace mas interesante
Ahora vamos a tratar algunos de los componentes de manera individual:
El Texto: es importante elegir un texto que tenga un contenido adecuado a la edad del niño. Muchas veces el fallo mas común es facilitar al alumno algo mas infantil que su edad. Algunas canciones tienen un contenido no apto porque tiene explicaciones sexistas o dobles contenidos.
Los acentos del texto deberían coincidir con los textos del compás, para ello deberemos acentuar y pronunciar bien y siempre igual. Debemos ser ejemplo para los alumnos, por ello deberemos evitar juntar muchas palabras en una misma nota.
El texto dentro de la música tiene como objetivo la pronunciación adecuada correspondiendo una nota a una sílaba. Para ello intentaremos respirar donde nos lo pida la frase, no en medio de una palabra. Si no sabemos donde, lo hacemos cuando se repiten las primeras células rítmicas o melódicas.
No olvidemos que donde respiremos es muy importante y por ello deberíamos trabajarlo con los alumnos desde muy pequeños. Ya que si no conseguimos respirar según el texto, deberíamos retomar el pulso mas rápido o mas lento, adaptándolo a la capacidad de nuestros alumnos.
El Ritmo: es el latido de la música y la utilizamos para comparar la duración de las notas y los silencios. El pulso es la unidad temporal básica de una obra musical. Cuando un oyente da golpes con el pie al escuchar una obra musical, esos golpes son pulsos.
El pulso es el orden repetitivo más ordenado donde se reconocen unidades rítmicas en una obra musical. Se le llama así porque es como una pulsación que recorre la obra.
El desarrollo de la voz de los alumnos hace que el primer intervalo que pueden “cantar” sea SOL, MI. A continuación se añadiría el LA, después el DO bajo, continuando con RE.
El FA y SI es llamado el intervalo del diablo y se intenta evitar porque producen malestar al ser difíciles de interpretar.
Por ser este el intervalo natural del desarrollo de la voz, es muy importante la elección de las canciones y sobretodo del orden de enseñanza para facilitar el aprendizaje y motivar a l alumno.
Un Método de Aprendizaje del Valor Rítmico podría ser el siguiente:
Primer paso:
Enseñamos al alumno a través de la experiencia con su propio cuerpo, primando el aprendizaje auditivo. Utilizaríamos cuatro notas negras.
Segundo paso:
Retiramos una negra que sustituimos por una corchea. Utilizamos canciones, audiciones, danzas para reforzar el aprendizaje auditivo.
Tercer paso:
Unimos las notas del primer y segundo paso.
Cuarto paso:
Utilizamos dos notas negras y una blanca…
Este método tiene hasta 10 o 12 pasos.
A partir de los 7 años, se incorpora el lenguaje musical para que el alumno esté preparado para comprender las partituras. Todo está dividido en par porque es un movimiento más fácil.
Es un método poco flexible pero con muy buenos resultados, generando una gran base para el solfeo.
El Compás: es la forma que tenemos de dirigir cuando enseñamos la canción. Tiene que ver con el acento, que es el rebote de energía.
Sirve para dividir la composición musical en partes iguales, con el objetivo de acentuar y ayudar al músico a la lectura de la partitura. Cuanto más jóvenes son nuestros alumnos, debemos realizar movimientos más simples, más secos para evitar que se distraigan.
Los compases más comunes son:
- Compás de 2, en el que encontramos un acento por cada dos notas.
2
1
- Compás de 3, en el que encontramos un acento por cada tres notas.
3
2
1
- Compás de 4, en el que encontramos un acento por cada cuatro notas.
4
2 3
1
Para definir las notas que utilizados dentro de cada compás, tenemos dos posibilidades:
a) Dibujando la nota seleccionada debajo del número que representa el compás seleccionado.
b) Tomar como referencia la nota más grande, redonda=1, y marcar aquella que queremos utilizar.
Cuando el compás está incompleto al principio de la composición que tiene como objetivo acentuar una nota que no es la primera, se denomina Anacrusa. Empieza por sílabas débiles no acentuadas.
La canción infantil es importante porque tiene muchos componentes musicales a desarrollar por el alumno, como son: texto, ritmo, compás, acentos, melodía, expresión musical,…
Todos ellos se pueden o deben trabajarse de manera individual para ensayar o corregir cuando algo no sale bien.
Igualmente no debemos olvidar que una canción toca muchos y diversos temas, lo que le hace mas interesante
Ahora vamos a tratar algunos de los componentes de manera individual:
El Texto: es importante elegir un texto que tenga un contenido adecuado a la edad del niño. Muchas veces el fallo mas común es facilitar al alumno algo mas infantil que su edad. Algunas canciones tienen un contenido no apto porque tiene explicaciones sexistas o dobles contenidos.
Los acentos del texto deberían coincidir con los textos del compás, para ello deberemos acentuar y pronunciar bien y siempre igual. Debemos ser ejemplo para los alumnos, por ello deberemos evitar juntar muchas palabras en una misma nota.
El texto dentro de la música tiene como objetivo la pronunciación adecuada correspondiendo una nota a una sílaba. Para ello intentaremos respirar donde nos lo pida la frase, no en medio de una palabra. Si no sabemos donde, lo hacemos cuando se repiten las primeras células rítmicas o melódicas.
No olvidemos que donde respiremos es muy importante y por ello deberíamos trabajarlo con los alumnos desde muy pequeños. Ya que si no conseguimos respirar según el texto, deberíamos retomar el pulso mas rápido o mas lento, adaptándolo a la capacidad de nuestros alumnos.
El Ritmo: es el latido de la música y la utilizamos para comparar la duración de las notas y los silencios. El pulso es la unidad temporal básica de una obra musical. Cuando un oyente da golpes con el pie al escuchar una obra musical, esos golpes son pulsos.
El pulso es el orden repetitivo más ordenado donde se reconocen unidades rítmicas en una obra musical. Se le llama así porque es como una pulsación que recorre la obra.
El desarrollo de la voz de los alumnos hace que el primer intervalo que pueden “cantar” sea SOL, MI. A continuación se añadiría el LA, después el DO bajo, continuando con RE.
El FA y SI es llamado el intervalo del diablo y se intenta evitar porque producen malestar al ser difíciles de interpretar.
Por ser este el intervalo natural del desarrollo de la voz, es muy importante la elección de las canciones y sobretodo del orden de enseñanza para facilitar el aprendizaje y motivar a l alumno.
Un Método de Aprendizaje del Valor Rítmico podría ser el siguiente:
Primer paso:
Enseñamos al alumno a través de la experiencia con su propio cuerpo, primando el aprendizaje auditivo. Utilizaríamos cuatro notas negras.
Segundo paso:
Retiramos una negra que sustituimos por una corchea. Utilizamos canciones, audiciones, danzas para reforzar el aprendizaje auditivo.
Tercer paso:
Unimos las notas del primer y segundo paso.
Cuarto paso:
Utilizamos dos notas negras y una blanca…
Este método tiene hasta 10 o 12 pasos.
A partir de los 7 años, se incorpora el lenguaje musical para que el alumno esté preparado para comprender las partituras. Todo está dividido en par porque es un movimiento más fácil.
Es un método poco flexible pero con muy buenos resultados, generando una gran base para el solfeo.
El Compás: es la forma que tenemos de dirigir cuando enseñamos la canción. Tiene que ver con el acento, que es el rebote de energía.
Sirve para dividir la composición musical en partes iguales, con el objetivo de acentuar y ayudar al músico a la lectura de la partitura. Cuanto más jóvenes son nuestros alumnos, debemos realizar movimientos más simples, más secos para evitar que se distraigan.
Los compases más comunes son:
- Compás de 2, en el que encontramos un acento por cada dos notas.
2
1
- Compás de 3, en el que encontramos un acento por cada tres notas.
3
2
1
- Compás de 4, en el que encontramos un acento por cada cuatro notas.
4
2 3
1
Para definir las notas que utilizados dentro de cada compás, tenemos dos posibilidades:
a) Dibujando la nota seleccionada debajo del número que representa el compás seleccionado.
b) Tomar como referencia la nota más grande, redonda=1, y marcar aquella que queremos utilizar.
Cuando el compás está incompleto al principio de la composición que tiene como objetivo acentuar una nota que no es la primera, se denomina Anacrusa. Empieza por sílabas débiles no acentuadas.
EL PIANO
El piano es un instrumento constituido por un conjunto de cuerdas en el mueble. Éstas se tocan mediante el uso de un teclado.
El procedimiento es el siguiente:
al golpear la tecla se activa un martillo que percute la cuerda. Cada
tecla activa un único martillo, el cual puede percutir de una a tres
cuerdas.
Cuando lo que se quiere es obtener una nota grave, se golpea una cuerda gruesa, y para conseguir una nota aguda se golpean de una a tres cuerdas finas. El resultado de tal proceso es la adquisición una intensidad homogénea.
El piano cuenta, a la vez, con un apagador de fieltro: al soltar la tecla deja de emitir el sonido.
Este instrumento está compuesto de 88 teclas, a través de las cuales se pueden producir gran variedad de notas.
Tiene dos, incluso tres pedales: el de la derecha sirve para retirar los apagadores, el de la izquierda permite desviar el martillo hacia un lado y disminuir así la intensidad, y el de medio se usa de sordina.
Algunos términos musicales y técnicas relacionadas con el piano son:
-Piano (sonido suave).
-Pianissimo (sonido más suave).
-Mezzo-piano.
-Forte (sonido fuerte).
-Staccatto (sonido veloz y picado).
-Legatto.
El piano es el instrumento para el que se escriben más cantidad de obras, pero por el contrario su tamaño, precio y dificultad de aprendizaje provoca que sea un instrumento aprendido en el conservatorio y solamente utilizado por los maestros en aula para acompañar canciones.
El procedimiento es el siguiente:
al golpear la tecla se activa un martillo que percute la cuerda. Cada
tecla activa un único martillo, el cual puede percutir de una a tres
cuerdas.
Cuando lo que se quiere es obtener una nota grave, se golpea una cuerda gruesa, y para conseguir una nota aguda se golpean de una a tres cuerdas finas. El resultado de tal proceso es la adquisición una intensidad homogénea.
El piano cuenta, a la vez, con un apagador de fieltro: al soltar la tecla deja de emitir el sonido.
Este instrumento está compuesto de 88 teclas, a través de las cuales se pueden producir gran variedad de notas.
Tiene dos, incluso tres pedales: el de la derecha sirve para retirar los apagadores, el de la izquierda permite desviar el martillo hacia un lado y disminuir así la intensidad, y el de medio se usa de sordina.
Algunos términos musicales y técnicas relacionadas con el piano son:
-Piano (sonido suave).
-Pianissimo (sonido más suave).
-Mezzo-piano.
-Forte (sonido fuerte).
-Staccatto (sonido veloz y picado).
-Legatto.
El piano es el instrumento para el que se escriben más cantidad de obras, pero por el contrario su tamaño, precio y dificultad de aprendizaje provoca que sea un instrumento aprendido en el conservatorio y solamente utilizado por los maestros en aula para acompañar canciones.
LOS INSTRUMENTOS DE LÁMINAS O DE PLACA
Los instrumentos de láminas se dividen en dos grupos:
- Metalófonos si presenta la lámina de metal.
- Xilófonos si la lámina es de madera.
En ambos casos, podemos encontrar tamaño grande, llamado Bajo, tamaño medio, llamado Alto y de tamaño pequeño, llamado Soprano.
Cuando el tamaño es inferior a esos tres tipos, se denomina Carrillón, encontrando igualmente un Soprano y un Alto.
Si tiene dos láminas o líneas, se llama cromático y se representan en dos filas simulando los tonos y semitonos como en un piano.
Debemos mostrar a nuestros alumnos las ventajas de tocar instrumentos de láminas:
Es fácil de transportar, siempre y cuando nos refiramos a un Alto, Soprano o Carrillón.
Se puede tocar con una técnica relativamente sencilla.
No es muy costoso.
Se puede trabajar la armonía, realizando acompañamientos muy sencillos, ya que los diferentes tamaños proporcionan armonía.
Se pueden quitar todas las láminas, por lo que podemos trabajar desde el esqueleto y vamos colocando las láminas según vayamos incrementando el nivel de dificultad. Normalmente, comenzamos con 2, luego seguimos con 3, luego 4 y luego 5 (escala pentatónica) a los 7/8 años.
Podemos cambiar las láminas de lugar para colocarlas al gusto o la necesidad del alumno.
Es importante recordar que las láminas las golpeamos con baquetas, que son palos terminados en bola de diferentes materiales (goma,, madera, lana,…) Hay diferentes modelos, partiremos siempre en infantil aprendiendo a tocar con una baqueta e incluiremos la otra para tocar con ambas manos en primaria.
Cuando hablamos de la técnica debemos recordar que tenemos 5 pasos:
1. Comenzaremos golpeando con ambas baquetas a la vez, de manera simultanea.
2. Continuaremos alternando ambas manos.
3. Como algo excepcional, utilizaremos las manos cruzadas.
4. Enseñaremos el Glissando, que es arrastrar por las láminas la baqueta. Para ello, golpeamos la primera lámina y arrastramos hasta la última.
5. Por último, enseñaremos a los alumnos a tocar en bloque de notas, Kluster, esto es el efecto de música contemporánea que se consigue al coger solamente una lámina de forma horizontal y con ella golpear las láminas que queremos que suenen a la vez.
Deberemos enseñarles a los alumnos:
A. La lámina debe golpearse siempre en el centro, porque la caja de resonancia está debajo y al golpear la lámina en un extremo puede provocar que se salga de su posición o lugar.
B. La baqueta debemos sujetarla de manera natural, con una posición cómoda que nos permita dar golpes con energía. Colocaremos el palo en la palma de la mano y sobre los dedos índice y corazón, sujetándolo suavemente con el dedo gordo para permitir su movimiento.
- Metalófonos si presenta la lámina de metal.
- Xilófonos si la lámina es de madera.
En ambos casos, podemos encontrar tamaño grande, llamado Bajo, tamaño medio, llamado Alto y de tamaño pequeño, llamado Soprano.
Cuando el tamaño es inferior a esos tres tipos, se denomina Carrillón, encontrando igualmente un Soprano y un Alto.
Si tiene dos láminas o líneas, se llama cromático y se representan en dos filas simulando los tonos y semitonos como en un piano.
Debemos mostrar a nuestros alumnos las ventajas de tocar instrumentos de láminas:
Es fácil de transportar, siempre y cuando nos refiramos a un Alto, Soprano o Carrillón.
Se puede tocar con una técnica relativamente sencilla.
No es muy costoso.
Se puede trabajar la armonía, realizando acompañamientos muy sencillos, ya que los diferentes tamaños proporcionan armonía.
Se pueden quitar todas las láminas, por lo que podemos trabajar desde el esqueleto y vamos colocando las láminas según vayamos incrementando el nivel de dificultad. Normalmente, comenzamos con 2, luego seguimos con 3, luego 4 y luego 5 (escala pentatónica) a los 7/8 años.
Podemos cambiar las láminas de lugar para colocarlas al gusto o la necesidad del alumno.
Es importante recordar que las láminas las golpeamos con baquetas, que son palos terminados en bola de diferentes materiales (goma,, madera, lana,…) Hay diferentes modelos, partiremos siempre en infantil aprendiendo a tocar con una baqueta e incluiremos la otra para tocar con ambas manos en primaria.
Cuando hablamos de la técnica debemos recordar que tenemos 5 pasos:
1. Comenzaremos golpeando con ambas baquetas a la vez, de manera simultanea.
2. Continuaremos alternando ambas manos.
3. Como algo excepcional, utilizaremos las manos cruzadas.
4. Enseñaremos el Glissando, que es arrastrar por las láminas la baqueta. Para ello, golpeamos la primera lámina y arrastramos hasta la última.
5. Por último, enseñaremos a los alumnos a tocar en bloque de notas, Kluster, esto es el efecto de música contemporánea que se consigue al coger solamente una lámina de forma horizontal y con ella golpear las láminas que queremos que suenen a la vez.
Deberemos enseñarles a los alumnos:
A. La lámina debe golpearse siempre en el centro, porque la caja de resonancia está debajo y al golpear la lámina en un extremo puede provocar que se salga de su posición o lugar.
B. La baqueta debemos sujetarla de manera natural, con una posición cómoda que nos permita dar golpes con energía. Colocaremos el palo en la palma de la mano y sobre los dedos índice y corazón, sujetándolo suavemente con el dedo gordo para permitir su movimiento.
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